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PAST Exhibitions
Stefania Fersini

Stefania Fersini “Reflection” (absence)
From 05.11.2015 to 09.01.2016

Stefania Fersini – “reflection”, site specific project
Reflection
Reflection, site specific project,  installation view

GAGLIARDI E DOMKE contemporary art gallery presents:

“Reflection” (absence), a site-specific project by Stefania Fersini

critical text by Lorenzo Madaro

In conjunction with the Artissima weekend, the gallery will have the following opening times:

Thursday and Friday November 5 and 6: 8.30 -12.30 a.m. / 3.30 – 10 p.m.; Saturday November 7: 8.30 – 12 p.m.; Sunday November 8: 8.30 -12.30 / 3.30 – 10 p.m.

Info: +39 011 19.70.00.31 – info@gagliardiedomke.com

Opening: Thursday 5 November 2015 6 p.m.

After the solo show of works by Spanish artist Rómulo Celdrán, Gagliardi e Domke contemporary art gallery continues its exhibiting program with a double project: the solo exhibition Reflection (absence) by Stefania Fersini and the group exhibition Illusion, with installations by Davide Coltro, Giuliana Cunéaz, Richi Ferrero, Piero Fogliati, Glaser/Kunz and Fabio Viale.

With these events, the gallery launches an exhibiting format that combines the a solo exhibition with a parallel concept show that is strictly related to the exhibiting concept of the solo display, which will contain previously unseen works. The gallery will also periodically organize focus events about individual artists included in the group shows, accompanied by special critical texts penned by art critic Lorenzo Madaro.

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“Reflection” (absence), site specific project di Stefania Fersini

testo critico di Lorenzo Madaro

In occasione del weekend di Artissima la galleria sarà aperta
nei seguenti orari:

giovedì e venerdì 5 e 6 novembre: 8.30 -12.30 / 15.30 – 22; sabato 7 novembre: 8.30 – 24; domenica 8 novembre: 8.30 -12.30 / 15.30 – 22.

Info: +39 011 19.70.00.31 – info@gagliardiedomke.com

Opening: giovedì 5 novembre 2015 ore 18.00

La galleria d’arte contemporanea Gagliardi e Domke dopo la mostra dell’artista spagnolo Rómulo Celdrán, prosegue la sua attività con un doppio progetto espositivo: la personale Reflection (absence) di Stefania Fersini e la mostra collettiva Illusion, con installazioni di Davide Coltro, Giuliana Cunéaz, Richi Ferrero, Piero Fogliati, Glaser/Kunz e Fabio Viale.

Si avvia così un format espositivo, che vede l’organizzazione di una mostra personale e contestualmente di una collettiva tematica, strettamente connessa al concept espositivo della personale, che vedrà la partecipazione di artisti legati alla galleria, con opere anche inedite. Periodicamente saranno organizzati dei focus dedicati ai singoli artisti presenti nella collettiva, con testi critici monografici a firma del critico d’arte Lorenzo Madaro.

Stefania Fersini. “Reflection”

critical text by Lorenzo Madaro

«Other works tend to accurately ‘read’ the surrounding space or to copy their own image»
(Giulio Paolini, 1960)

Stefania Fersini. Reflections (absence)
Lorenzo Madaro

“There is a specific research line where art thinks about itself, its identity and status. It generates projects in which the author-artist and the public-spectator can interact with the artwork, initiating a dialogue whose purpose is preeminently dialectical.
After looking into the ‘glossy’ side of today’s media communication, using her mimetic painting to reproduce female silhouettes and bodies from fashion magazines, Stefania Fersini has launched a new series of works, in which she reflects about art and life, and on issues of theory and perception, focusing on the broad theme of absence. Fersini contrasts the ephemeral mythology of a part of the fashion world, its behaviors and codes, rules and visions, with a general reflection on what is but does not appear, and on the theoretical boundary between presence and its opposite.

In the past few years Fersini has painted, almost obsessively, long-limbed bodies that exude glamour and allure. The magazine pages, however, had previously been crumpled, possibly thrown away, only to be recovered and then reproduced through a painstaking painting process. In specific cases the painting was subsequently photographed and the photograph was exhibited next to the painted canvas of the same size. An interaction of languages, then, a constant dialogue between two different media. The result of this experimental process is a series of diptychs in which the two hyper-realistic profiles get blurred, so that viewers no longer recognize which one is the photograph and which one is its painted model. Having started out in the world of design, Stefania Fersini later chose to devote herself to painting, irrevocably reinventing her creative identity. Today, with Absence, she has come up with a project that is not limited to the artwork itself, but also includes its surrounding context, creating a series of site-specific installations in highly symbolical places, such as her recent work in the Turin house of Italian architect, designer and photographer Carlo Mollino (Turin, 1905-1973).

For the project she designed for the first floor of Gagliardi e Domke gallery, Stefania Fersini first of all chose to only occupy the industrial archaeology space with one work, leaving the rest of the room free, thus creating a void space, which she chose to partially fill with a large canvas painting depicting a mirror. The mirror, which contains the outline of a white canvas, reflects what is in front of it, i.e. the beams and the rough walls of the exhibiting space, but obviously not the spectator who is about to look at the work.

The white canvas represented inside this ideal mirror-screen is clearly an icon, and is also commonly taken as a metaphor of the zero degree of representation, the starting point and the ultimate destination of all theoretical reasoning. As such, it has been at the center of a series of experimental trends, which have also focused on (and revolutionized) art history. This chromo-phobic canvas, which questions both Stefania Fersini herself and us viewers, is taking center stage in her new approach to painting. A firm believer in the thesis that there are definite boundaries today which art can no longer cross, since everything has already been thought up and theorized, she tries to return to the primary roots of making, adopting the metaphor of the white canvas. What remains, then, is the need to ask questions, while displaying a highly symbolical icon, as has been the case (in different forms and theories) of a part of conceptual art in the past half-century”.
Just think of the work of Giulio Paolini, for whom the canvas, even today, is the cornerstone of an exceptionally complex meditation on art and its boundaries. Paolini, a sophisticated theoretician of his own practice and an insightful thinker, can help us shed light on another aspect, which could be related to the work of Fersini: «Today, planning necessarily entails experimenting in a ‘finite’ way (no longer aiming at something, but turning within it), so that the qualitative relationship and difference are defined in themselves, i.e. not according to outdated notions of purity and freedom of language, but through the propriety of expression – take for example the difference between painting and design: in terms of literal reading of the work, of sheer appearance, design “signifies” in that it displays the project, whereas the painting forgets it, erases it, in order to hint at the endless, deep openings, which we can only glimpse, but must follow if we are to experience reality more fully, and thus make it more real».

There is, however, one aspect that has always been highly peculiar to the research of Fersini: an extreme, obsessive use of mimetic painting, which shows the exhibiting space in front of the work in detail. And yet it is no chance that viewers will never be able to look at themselves in this play of reality and fiction, presence and absence, which remain the cardinal points in the perception of art.

In the words of Mallarmé, «In him, I do not appear to myself, but disappear to myself, or rather appear to myself in the act of disappearing, disappearing inside myself, unless […] I disappear to myself while reappearing to myself […]».

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«Altre opere tendono a “leggere” rigorosamente l’ambiente o a copiare la propria immagine».
Giulio Paolini (1960)

Stefania Fersini. Reflections (absence)

Lorenzo Madaro

C’è un filone specifico della ricerca in cui l’arte riflette su se stessa, sulle proprie identità statutarie, dando avvio a progetti in cui l’autore-artista e il pubblico-spettatore possono interagire con essa, creando un dialogo che ha anzitutto aspirazioni dialettiche.
Dopo aver indagato i lati patinati del presente, riproducendo attraverso la sua pittura mimetica profili e corpi femminili estratti dalle riviste di moda, Stefania Fersini ha dato avvio a un nuovo ciclo di opere, dedicate a un discorso che mira a riflettere sull’arte e la vita, su questioni teoriche e percettive attorno a un tema a maglie larghe:
l’assenza. Alla mitologia effimera di certa moda, dei suoi comportamenti e dei suoi codici, delle sue regole e delle sue visioni, oggi Fersini contrappone una riflessione dilatata su ciò che è e non appare e sul confine teorico e reale della presenza e del suo contrario.

Negli anni scorsi ha dipinto a lungo – quasi come un’ossessione – corpi longilinei in un perpetuo ricorso al glamour. Le pagine delle riviste erano state però preventivamente accartocciate, magari cestinate, poi recuperate e successivamente riprodotte attraverso un processo pittorico scrupoloso. Provenendo dal mondo del design, Stefani Fersini ha poi deciso di dedicarsi con costanza alla pittura, reiventando irrimediabilmente la sua identità creativa. Oggi con Reflections
(absence) approda a un risultato che tiene conto non solo dell’opera ma anche del suo contesto, dando così vita a una serie di installazioni site-specific in luoghi dall’alto tasso simbolico e non solo, com’è stato in tempi recenti con Museo Casa Mollino dell’architetto, designer e fotografo italiano Carlo Mollino (Torino, 1905-1973).

Nel progetto concepito per il primo piano della galleria Gagliardi e Domke, Stefania Fersini anzitutto si è limitata a occupare lo spazio di archeologia industriale con un solo lavoro, lasciando libero il resto dell’ambiente; elaborando così, intenzionalmente, un vuoto che ha deciso di riempire parzialmente con un grande dipinto su tavola che raffigura uno specchio al cui interno si riflette ciò che è di fronte – le travi e le pareti ruvide dell’ambiente espositivo, mentre al suo interno custodisce il profilo di una tela bianca –, ma chiaramente non lo spettatore che si accingerà a scrutare l’opera.

La “tela bianca” all’interno di quest’ideale specchio-schermo è chiaramente un’icona, la tela d’altronde è metafora riconosciuta del grado zero della rappresentazione, punto di partenza e approdo di speculazioni teoriche; punto cardinale di una serie d’indagini che hanno riguardato – e rivoluzionato – anche la storia dell’arte contemporanea.
La tela cromo-fobica interroga Stefania Fersini e noi spettatori, ponendosi al centro di un nuovo corso per la sua pittura. Convinta assertrice della tesi per cui oggi in arte non ci si può più spingere oltre determinate soglie, poiché a suo parere tutto è stato già concepito e teorizzato, tenta di tornare alle radici primarie del fare, adottando la metafora della tela bianca. Rimane pertanto la necessità di interrogarsi, di mettere in mostra un’icona dall’alto tasso simbolico, com’è stato – con diverse declinazioni e teorie – per una parte dell’arte concettuale dell’ultimo mezzo secolo. Basti pensare al lavoro di Paolini, in cui ancora oggi la tela è il cardine di una meditazione straordinariamente pregnante sull’arte e i suoi confini. E bisognerà scomodare proprio Paolini, raffinato teorico della sua pratica artistica e attento pensatore, per chiarire un altro aspetto che può avere dei legami con l’opera di Fersini: «Per questo, progettare oggi non può che significare volontà di una sperimentazione “finita” (cioè non più tesa a, ma rivolta in), tale che di per sé si viene a definire il rapporto e la differenza qualitativa, non secondo superate ipotesi di purezza e libertà di linguaggio, ma per proprietà di espressione, per esempio tra pittura e design: in termini di stretta lettura dell’opera, cioè di pure apparenza, il design “significa”, esibisce il progetto, il quadro lo dimentica, lo cancella, per le infinite e profonde aperture che soltanto possiamo intravedere, ma che dobbiamo perseguire perché la realtà possa essere più fruita e, dunque, più reale».

Rimane però un aspetto che ha sempre contrassegnato la sua indagine, ovvero l’estremo e ossessivo ricorso alla pittura mimetica, che rivela all’osservatore tutti i dettagli dello spazio espositivo frontale rispetto all’opera. Non è però un caso che lo spettatore non potrà mai specchiarsi in questo gioco tra realtà e finzione, presenza e assenza, che rimangono tra i punti cardinali della percezione dell’arte.

D’altronde, per dirla con Mallarmé, «In lui, io non mi appaio, ma mi scompaio, o piuttosto mi appaio nell’atto di scomparire, scomparire all’interno di me stesso, a meno che, […] io non mi scompaia riapparendomi […]».